Mulatu Astatke & The Heliocentrics - Inspiration Information (2009)

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L’Ethiopie tricotée au point Jazz  par Patrick Labess paru dans Jeune Afrique num 2542 

Vibraphoniste et percussionniste, compositeur et arrangeur, Mulatu Astatke (ou Astatqé) « demeure le seul musicien éthiopien à avoir réellement subi l’influence de la musique latino-américaine et du jazz », explique Francis Falceto [Tombé amoureux de la musique éthiopienne par hasard, en attendant un disque de Mahmoud Ahmed, Francis Falceto crée en 1997 la collection « Ethiopiques », qui ressemble la quasi-totalité du patrimoine de la musique éthiopienne] dans le livret du volume 4 de son excellente collection discographie « Ethiopiques ».[…]

Incontournable Commandeur

Mulatu Astatke a inventé une fusion qu’il a lui-même baptisée « éthio-jazz », donnant une autre vision de la musique éthiopienne, perçue à travers le prisme du jazz, qu’il a pratiqué et assimilé en Angleterre et aux Etats-Unis. Mariage arrangé, affinités un peu forcées ? Certainement pas. Tout cela est somme toute très naturel, rétorque le musicien. « Le jazz est né en Amérique, mais il plonge ses racines en Afrique. Les musiciens africains ne sont pas donc les plus mal placés pour jouer du jazz à partir de leurs musiques locales. »

Invité, début août, au festival Fies’A Sète (France), le musicien confiait à Jeune Afrique, juste avant de monter sur scène, son attachement à la musique et aux instruments traditionnels éthiopiens comme le krar (sorte de lyre), même s’il n’en joue pas lui-même. « Cela fait partie de notre identité. Ne pas intégrer la tradition dans mes compositions, ce serait quelque part une trahison. » Il explique aussi que son job, c’est la musique, pas la politique, éludant de la sorte les questions sur ses éventuels rapports avec les autorités en place, hier comme aujourd’hui (notamment avec le Derg, la junte militaire qui a muselé le pays entre 1974 et 1991).

« Dans le paysage musical éthiopien, Mulatu Astatke est une personnalité totalement à part, atypique, unique en son genre, résume Francis Falceto. Pouratant, depuis trente ans, il est une sorte d’incontournable commandeur dont la virtuelle statue pèse de toute son ombre sur la scène éthiopienne et ses coulisses. »  Celui dont beaucoup de cinéphiles connaissent la musique sans le savoir (il a mis des couleurs instrumentales aux images de Jim Jarmusch pour son film Broken Flowers, sorti en 2005) est dans le paysage musical éthiopien un cas à part.

Considéré comme celui qui a introduit le vibraphone en Ethiopie, il est le premier, « sinon le seul de sa génération, précise Francis Falceto, à avoir voyagé et étudié la musique à l’étranger. » Les musiciens éthiopiens étaient à cette époque presque tous formés au sein des orchestres institutionnels réorganisés par Haïlé Sélassié après son retour au pouvoir en 1941. Des orchestres où les cuivres des fanfares se sont mis à swinguer après la fin de la Seconde Guerre mondiale.

Né à Djimma, dans le sud-ouest de l’Ethiopie, en 1943 (le gaillard aime se rajeunir et déclare plutôt 1950) au sein d’une riche famille aristocratique, Mulatu Astatke est envoyé à 17 ans en Grande-Bretagne pour suivre des études d’ingénieur. Mais il bifurque vers la musique. Et apprend, au sein d’écoles prestigieuses, la trompette, la clarinette, le piano et l’harmonie. Il poursuit ses études musicales aux Etats-Unis, s’inscrit notamment au Berklee College of Music de Boston, où il est le premier étudiant africain (pas très assidu, paraît-il).

Aujourd’hui, Malutu Astatke admet que ce qu’il a appris à l’extérieur lui a donné le goût des expériences musicales, comme hier rapprocher la musique éthiopienne traditionnelle et le jazz. Et aujourd’hui tresser des conversations atypiques avec le groupe anglais The Heliocenters, qui croise hip-hop, électro, funk jazz et avant-garde. Ils ont enregistré ensemble Inspiration Information 3, un album sur le label anglais Strut Records.

Sur le marché du disque

Y aurait-il un jazz éthiopien qui se serait développé dans la ligné de Mulatu Astatke ? Pas vraiment, déclare Francis Falceto, même si, récemment l’on a vu émerger un certain nombre de jeunes musiciens éthiopiens, vivant à Addis-Abeba ou rentrant des Etats-Unis, qui se revendiquent du jazz, comme le groupe Wudasse. En fait, dire qu’il y a un jazz éthiopien est plus une vue d’esprit qu’une réalité. Beaucoup de musiciens éthiopiens ne considèrent pas qu’ils font du jazz. Même si leur musique porte en elle un swing qui y ressemble terriblement et qu’ils apparaissent souvent au programme des festivals de jazz, à l’instar des chanteurs stars Mahmoud Ahmed – celui qui a mené la musique éthiopienne sur le marché du disque occidental, à la fin des années 1980 – et du James Brown éthiopien, Alèmayèhu Eshèté. […]

Tracklist : 

 1. Masengo   6:24

 2. Cha Cha   4:35

 3. Addis Black Widow   3:39

 4. Mulatu   3:15

 5. Blue Nile   3:13

 6. Esketa Dance   4:09

 7. Chik Chikka   5:05

 8. Live From Tigre Lounge   2:54
 9. Chinese New Year    3:46
10. Phantom Of The Panter   2:21
11. Dewel   5:49
12. Fire In The Zoo   3:36
13. An Epic Story   5:01
14. Anglo Ethio Suite    9:41

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Thelonious Monk - Monk's Music (1957)

Thelonious Monk, Ray Copeland, John Coltrane, Gigi Gryce, Coleman  Hawkins, Wilbur Ware et Art Blakey : une formation de rêve qui signe un des chef d'oeuvre du jazz et un album phare de piano jazz. Tout au long de l'album les airs et les mélodies changent d"un titre à un autre. Abide With Me ouvre l'album comme une sorte de prière, suivent la jubilation et l'exaltation exprimé dans Well, You Needn't, puis le romantisme affiché de Ruby, My Dear... Thelonious le moine est une figure majeure du jazz comme Miles Davis et John Coltrane. Son jeu si unique redéfinit le piano jazz à nouveau en réinventant les mélodies, le rythme et l'harmonie. Cela n'empêche pas que plusieurs standards qu'il a écrit sont repris par les Jazzmans les plus connus comme l'inoubliable reprise de "Well, You Needn't" par Chet Baker. Recommanded!

Tracklist : 

 1. Abide With Me   0:54

 2. Well, You Needn't   11:24

 3. Ruby, My Dear   5:27

 4. Off Minor (Take 5)   5:09

 5. Crepuscule With Nellie   4:39

 6. Epistrophy   10:47

Credits : 

Thelonious Monk : Piano

Art Blakey : Batterie

John Coltrane : Sax Tenor

Coleman Hawkins : Sax Tenor

Gigi Gryce : Sax Alto 

Ray Copeland : Trompette

Wilbur Ware : Contrebasse

 

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Andrew Hill - Judgment (1964)

Whenever Andrew Hill's hands touched the piano, pure gold was created. His compositions and arrangements hit right on the money -- illustrating modernity, intellect, and strong emotions. Probably the forefather of the semi-avant garde/post bop academy, Hill weaves harmonies and chromatic scales to offer us Judgment!. The beauty with Hill, is that his playing and songwriting fits so perfectly in so many forms. Whether it's with the vast polyrhythms and dynamical drumming of Elvin Jones, or the melodic, modulated, & cymbal accentuated drumming of Tony Williams. Whether it has a strong horn ensemble, or a smaller group like in Judgment!, which is backed by Richard Davis, Elvin Jones, and Bobby Hutcherson.

Judgment! exhibits textured, extended and thoughtful solos that really mess with the ideas of harmony and melody. A lot of colors show through with this group. Especially in Yokada Yokada, a whimsical take on a blues using the chromatic scale to form the melody while also offering tidbits of modern aspects. For example, instead of playing the Five-to-Four-to-One turnaround ending the verse, Elvin Jones fills in with a quick solo before the group enters in on the One chord to finish the break. This reminds me of Sol LeWitt's Incomplete Cube Series. Where the artist removes sides of the objects, playing on the notion of how viewers can perceive a shape while parts are lacking. And like in Yokada Yokada, the listener still perceives that bluesy lick to finish the bar even though it's absent. 

                                           

                                                   BlueNote - 1964

Tracklist : 

 1. Sieste Ocho   8:58

 2. Flea Flop   7:21

 3. Yokada Yokada   5:18

 4. Alfred   7:05

 5. Judgement   6:54

 6. Reconciliation 7:24

 7. Yokada Yokada (Alternate)  5:13

Credits :

Andrew Hill - Piano

Richard Davis - Bass

Bobby Hutcherson - Vibes

Elvin Jones  - Drums

 

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Bill Evans - From Left To Right (1970)

Les années 1970 l'éléctricté a tombé amoureuse du jazz et les horizons de l'expérimentation se sont élargis. From Left To Right est une parmi les plus belles productions des années 1970,  Bill Evans est parmi les premiers pianistes à jouer le piano éléctrique même avant Ray Charles dans What I'd Say et Herbie Honcock, pionneer de la "fusion music" . L'inventeur du piano , Harold Rhodes, témoigne : " La justification ultime pour une vie d'effort consacré à l'élaboration d'un nouvel instrument de musique est le plaisir de l'entendre répondre à l'habilité et la sensibilitée du toucher d'un artiste comme Bill Evans. J'ai connu ce frisson dans cet album. Bill Evans est certainement le musicien des musiciens, le pianiste des pianistes."

Tracklist : 

 1. What Are You Doing The Rest Of Your Life?  4:09

 2. I Am All Smiles  5:47

 3. Why Did I Choose You?  5:09

 4. Soiree  3:29

 5. The Dolphin - Before  3:10

 6. The Dolphin - After  3:12

 7. Lullaby For Helene   2:56

 8. Like Someone In Love   5:43

 9. Children Play's Song   4:21

10. What Are You Doing The Rest Of Yor Life? (Quartet)   4:50

11. Why Did I Choose You? (Quartet)   4:21

12. Soiree (Alternate Take)  3:31

13. Lullaby For Helene (Quartet)   2:40

 

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Freddie Hubbard - Goin' Up (1960)

En 1960 , Freddie Hubbard , jeune trompettiste de 22 ans, a signé son deuxième album avec le label Bluenote. Et alors vous me dites? Freddie Hubbard a signé l'album en tant un leader un Dream Team : Paul Chambers à la contrebasse, Philly Joe Jones à la batterie,  McCoy Tyner au piano et Hank Mobley au saxo. Goin' up est un excellent album où Hubbard rompt par ses solos, le cordon ombilical qui le lie avec le modèle Clifford Briwn/Lee Morgan.

Tracklist : 

 1. Asiatic Raes  6:46

 2. The Changing Scene   5:50

 3. Karioka   6:16

 4. A Peck A Sec.   5:50

 5. I Wished I Know   7:49

 6. Blues For Brenda   7:00

 

 

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Sonny Rollins - Saxophone Colossus (1956)

Saxophone est chef-d'oeuvre qui marque l'histoire du jazz et en particulier celui du milieu des années 1950. Il a été recompensé par une couronne par The Pinguin Guide To Jazz. Du jazz facile à écouter et surtout envoutant.. Il est probable que vous attrapez Jazz fever! Un vrai régal avec la version defenitive du standard "St. Thomas" et l'interprétation sombre du "You Don't Know What Love Is"'... Highly Recommanded!

Tracklist :

 1. St. Thomas    6:46

 2. You Don't Know What Love Is   6:28

 3. Strode Rode    5:14

 4. Moritat   10:00

 5. Blue 7    11:17

Credits :

Sonny Rollins: Saxophone

Tommy Flanagan : Piano

Doug Watkins : Contrebasse

Max Roach : Batterie

 

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The Cannonball Adderley Quintet - Mercy, Mercy, Mercy : Live At "The Club" (1960)

Mercy, Mercy, Mercy incarne parfaitement l'âme du Hard-Bop. Il était enregistré dans un club à Los Angeles (et non pas au "The Club", un jazz bar à Chicago) où les boissons étaient offertes par la maison. Quoi d'autres pour mettre l'audience dans le bain?! Cannonball Adderley a signé une démonstration magistrale de son talent unique en répandant une bonne humeur et une énergie positve dans la salle. Ce n'est pas étonnant que "Mercy, Mercy, Mercy" soit  l'album le plus populaire de Connonball. Donc, préparez-vous car , apès l'écoute de cet album, vous serez emportés par une sensation irrésistible de jouissance et jubilation.

Tracklist :

 1. Introduction - Fun   8:27

 2. Games   7:19

 3. Mercy, Mercy, Mercy    5:11

 4. Sticks   3:54

 5. Hippodelphia   5:50

 6. Sack O'Woe   10:29

Credits :

Connonball Adderley - Sax Ténor

Nat Adderley - Cornet

Victor Gaskin - Contrebasse

Joe Zawinul - Piano , Piano éléctrique Wurlitzer

Roy McCurdy - Batterie

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Max Roach - We Insist! Max Roach's Freedom Now Suite (1960)

 We insist! est un album phare de la période de la lutte pour les droits civiques au début des années 1960. Le travail de Max Roach se focalise sur les injustices subies par les Afro-Américains. Il est accompagné par Abbey Lincoln qui chante cet oppression comme personne ne la jamais fait avec une une voix aussi puissante et si expressive de la douleur, le désespoir et la révolte grandissante des noirs.

Ceci est un album qui, aprés 50 ans de sa parution, reste tenace et fort de message. C'est un MUST qui vous marquera à vie. 

Tracklist :
 1. Driva' Man   5:10
 2. Freedom Day   6:02
 3. Triptych : Prayer/Protest/Peace   7:58
 4. All Africa  7:57
 5. Tears For Johannesburg   9:36


Credits :
Max Roach  : Batterie
Booker Little : Trompette
Julian Priester : Trombone
Walter Benton : Sax Ténor
Coleman Hawkins : Sax Ténor
Abbey Lincoln : Chants
Thomas Duvail, Raymond Matillo : Percussions
Michael Olatunji : Percussions, Conga, Batterie, Chants
James Schenk : Contre-Basse

  

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Irina Karamarkovic Band - Songs From Kosovo (2009)

"Here we have an extraordinary album offering jazz interpretations of traditional songs from the Serbian region of Kosovo. They are performed in Serbian language by a young jazz singer whose roots are deep in that tradition with imaginative support by her Austrian trio. What makes this unusual project so beguilling and accessible is the sinceriity, passion and authority of Irina's voice and the creative sensitivity of her accompanists.

The songs, sometimes simple and sometimes wuite complex, are ostensibly typical folk music themes of love lost and found,. However, there is a broader political dimension reflecting the recent Serb-Kosovan history of a shatttered homeland, society and culture. Such expressions of deep feelings of loss and dislocation have a particularly local resonance. Sadly, of course, these experiences and  emotions have their parallels in most countries and give the music powerful relevance beyond the Balkans. You do not need to know the language to realise that Irina is singing the truth."

                                                               Bob Weir (Jazz Journal) 

Tracklist : 
 1. Pristina Ce Da Postane Turisticko Mesto    0:18
 2. Preletese Tice Lastavice   5:56
 3. Hapi Syte E Seza   5:16
 4. Majko Mila   6:11
 5. Biser Mara Po Jerezu Brala  5:21
 6. Gusta Mi Magla Padnala   6:40
 7. Tudja Zemljo   6:04
 8. Sto Si Rano Podranila Marijo  5:19
 9. Devojce Tanko Visoko  5:52
10. Simbil Cvece   6:45
11. Zajdi, Zajdi   3:04
12. Doala Je Sestra Jelena   1:16


Credits : 
Irina Karamarkovic : Vocals
Stefan Heckel : Piano
Wolfram Derscmidt : Bass
Viktor Palic : Drums

Myspace

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Donald Byrd - Kofi (1971)

Kofi a été extrait des derniers enregistrements de Byrd sous le label Bluenote avant son exploration du territoire du Soul-Fusion. Le jeu de Byrd est superbe (le moindre qu'on puisse dire). En plus , il est épaulé par une bande de vétérans de jazz : Ron Carter et Airto Moreira; ce qui a donné à Byrd la possibilité de signer un de ses plus réussis albums de sa fameuse  période de l'expérimentation électrique. Kofi et Fufu, les deux premières pistes, expriment l'originalité et l'authenticité de l'oeuvre de Byrd : ils combinent des souches de Jazz des années 1960 : Hard Bop, Funk, modal, électrique.. Kofi est un album atmosphérique, tribal et funky ce qui fait de lui un album UNIQUE et PASSIONNANT!

Tracklist :
 1. Kofi  7:46
 2. Fufu   9:39
 3. Perpetual Love   7:38
 4. Elmina   8:37
 5. The Loud Minority   9:57


Credits :
Donald Byrd : Trompette
Ron Carter : Contre Basse
Bob Cranshaw - Guitare Basse (#1,2)
Airto Moreira (#1,2), Mickey Roker - Batterie
Lew Tabackin - Flute, Sax Tenor
Willy Richardson - Guitare Electrique (#3,4,5)
Airto Moreira , Dom Um Romao : Percussions
Duke Pearson : Piano
Frank Foster : Sax Tenor
Bill Campbell : Trombone

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Ray Charles - Genius+Soul=Jazz/My Kind of Jazz (1997)

Cette réédition est en fait une combinaison des deux albums jazz de Ray Charles parus en 1960 et en 1970. Ray reprend les standards de jazz les plus connus comme "The Sidewinder" de Lee Morgan ou encore l'éternel "I Remember Clifford" de Benny Golson  tout en (bien évidemment) ajoutant sa propre touche  : les gospel moans et un peu de funk..Une Vraie PERLE à écouter et réécouter!

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Ahmad Jamal - Rossiter Road (1986)

Few of pianist Ahmad Jamal 's many recordings are not worth picking up, and this effort for Atlantic boasts some fresh material and fine playing. Jamal performs seven of his lilttle-known originals and the obscure "Yellow Fellow" . The close musical communication by the players is, as always , the main reason to acquire this release.

                                                  Scott Yanow (Allmusic Review)

Tracklist :
 1. Milan   5:50
 2. If I Find The Way   4:12
 3. Without You   5:18
 4. Acorn   4:58
 5. Yellow Fellow   6:20
 6. Autumn Rain   5:32
 7. Winter Snow   4:11
 8. Rossiter Road   6:09


Credits :
Ahmad Jamal : Piano
James Cammack : Bass
Herlin Riley : Drums
Manolo Badrena : Percussions

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Pharoah Sanders - Karma (1969)

"...Anyone who enjoyed [Coltrane's] A LOVE SUPREME will certainly find this music pleasurable and rewarding...KARMA is a beautiful expression of the conviction [that there is a beneficient deity who watches over the universe offering an eternal grace to each man]..."

                                               Rolling Stone Magazine (10/18/69)

Pharoah Sanders' third album as a leader is the one that defines him as a musician to the present day. After the death of Coltrane, while there many seeking to make a spiritual music that encompassed his ideas and yearnings while moving forward, no one came up with the goods until Sanders on this 1969 date. There only two tracks on Karma, the 32-plus minute "The Creator Has a Master Plan" and the five -and-a-half-minute "Colours". The band is one of Sanders finest, and features vocalist Leon Thomas, drummer Billy Hart, Julius Watkins, James Spaulding, a pre-funk Lonnie Liston Smith, Richard Davis, Reggie Workman on bass, and Nathanial Bettis on percussion. "Creator" begins with a quote from "A Love Supreme", with a nod to Coltrane's continuing influence on Sanders. But something else emerges here as well: Sanders' wn deep commitment to lyricism and his now inherent knowledge of Eastern breathing and modal techniques. His ability to use the ostinato became not a way of holding a tune in place while people soloed, but a manner of pushing it irrepressibly forward. Keeping his range limited (for the first eight minutes anyway), Sanders explores all the colors around the key figures, gradually building the dynamics as the band comps the two-chord theme behind with varying degrees of timbral invention. When Thomas  enters at nine minutes, the track begins to open. His yodel frees up the theme and the rhythm section to invent around him. At 18 minutes it explodes, rushing into a silence that is profound as it is noisy in its approach. Sanders is playing microphonics and blowing to the heavens and Thomas is screaming. They are leaving the material world entirely. When they arrive at the next plane, free of modal and interval constraints, a new kind of lyricism emerges, one not dependent on time but rhythm, and Thomas and Sanders are but two improvisers in a sound universe of world rhythm and dimension. There is nothing to describe the exhilaration that is felt when this tune ends, except that "Colours," with Ron Carter joining Workman on the bass, was the only track that could follow it. You cannot believe it until you hear it.

                                                  Thom Jurek (Allmusic Review)

Tracklist : 

 1. Creator Has a Master Plan   32:47

 2. Colors    5:36

Credits : 
Pharoah Sanders : Tenor Sax
Leon Thomas : Vocals, Percussion
James Spaulding : Flute
Julius Watkins : French Horn
Lonnie Liston Smith : Piano
William Hart, Frederick Waits, Billy Hart : Drums
Nathanial Bettis : Percussion

Reggie Workman, Ron Carter, Richard Davis : Bass

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Lee Morgan - The Sidewinder (1963)

Carried by its almost impossibly infectious eponymous opening track, The Sidewinder helped foreshadow the sounds of boogaloo and soul-jazz with its healthy R&B influence and Latin tinge. While the rest of the album retreats to a more conventional hard bop sound, Morgan's  compositions are forward-thinking and universally solid. Only 25 at the time of its release, Morgan   was accomplished (and perhaps cocky) enough to speak of mentoring the great Joe Henderson who at 26 was just beginning to play dates with Blue Note after getting out of the military. Henderson  makes a major contribution to the album, especially on "Totem Pole," where his solos showed off his singular style, threatening to upstage Morgan, who is also fairly impressive here. Barry Harris, Bob Cranshaw and Billy Higgins are all in good form throughout the album as well, and the group works together seamlessly to create an album that crackles with energy while maintaining a stylish flow.

                                         Stacia Proefrock (Allmusic Review)

Tracklist :
 1. The Sidewinder   10:21
 2. Totem Pole   10:11
 3. Gary's Notebook   6:10
 4. Boy, What A Night  7:34
 5. Hocus Pocus  6:25
 6. Totem Pole   9:57


Credits :
Lee Morgan : Trumpet
Joe Henderson : Tenor Saxophone
Barry Harris : Piano
Bob Cranshaw : Bass
Billy Higgins : Drums

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John Coltrane - Giants Steps (1959)

History will undoubtedly enshrine this disc as a watershed the likes of which may never truly be appreciated. Giant Steps bore the double-edged sword of furthering the cause of the music as well as delivering it to an increasingly mainstream audience. Although this John Coltrane’s debut for Atlantic, he was concurrently performing and recording with Miles Davis. Within the space of less than three weeks,, Coltrane would complete his work with Davis and company on another genre-defining disc, Kind of Blue, before commencing his efforts on this one. Coltrane (tenor sax) is flanked by essentially two different trios. Recording commenced in early May of 1959 with a pair of sessions that featured Tommy Flanagan (piano) and Art Taylor (drums) as well as Paul Chambers -- who was the only band member other than Coltrane have performed on every date. When recording resumed in December of that year, Wynton Kelly (piano) and Jimmy Cobb (drums) were instated -- replicating the lineup featured on Kind of Blue, sans Miles Davis of course. . At the heart of these recordings, however, is the laser-beam focus Of Coltrane’s tenor solos. All seven pieces issued on the original Giant Steps are likewise Coltrane compositions. He was, in essence, beginning to rewrite the jazz canon with material that would be centered on solos -- the 180-degree antithesis of the art form up to that point. These arrangements would create a place for the solo to become infinitely more compelling. This would culminate in a frenetic performance style that noted jazz journalist Ira Gitler accurately dubbed "sheets of sound." Coltrane’s polytonal torrents extricate the amicable and otherwise cordial solos that had begun decaying the very exigency of the genre -- turning it into the equivalent of easy listening. He wastes no time as the disc's title track immediately indicates a progression from which there would be no looking back. Line upon line of highly cerebral improvisation snake between the melody and solos, practically fusing the two. The resolute intensity of "Countdown" does more to modernize jazz in 141 seconds than many artists do in their entire careers. Tellingly, the contrasting and ultimately pastoral "Naima" was the last tune to be recorded, and is the only track on the original long-player to feature the Kind of Blue quartet. What is lost in tempo is more than recouped in intrinsic melodic beauty.

                                                                 Lindsay Planer (Allmusic Review)

Tracklist :
 1. Giant Steps   4:47
 2. Cousin Mary  5:50
 3. Countdown  2.26
 4. Spiral   6:01
 5. Syeeda's Song Flute  7:05
 6. Naima   4:24
 7. Mr. P.C.   7/02
 8. Giant Steps (Alternate Take)  3:45
 9. Naima (Alternate Take)   4:32
10. Cousin Mary (Alternate Take)   5:48
11. Countdown (Alternate Take)   4:36
12. Syeeda's Song Flute (Alternative Take)   7:04

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Charlie Parker - Jam Sessions (1952)

One of a handful of musicians who can be said to have permanently changed jazz, Charlie Parker was arguably the greatest saxophonist of all time.

 JAM SESSION was compiled from a 1952 jam session which brought together three of history's greatest alto saxophonists: Parker, Johnny Hodges and Benny Carter, as well as Ben Webster and Flip Phillips on tenor sax.  Orchestrated  by Norman Granz to come as close to an authentic jam session as possible, this is the first of the Jazz at the Philharmonic series. The album includes an original blues tune ("Jam Blues"), a medley of ballads selected by each musician, and a mellow blues tune called "Funky Blues".  The  standard  "What is This Thing Called Love", stands out particularly for its follow-the-leader style ending, with each musician trading fours. Interestingly, the meeting of these three greats, with their widely varying styles, results not in spectacular and fiercely competitive playing, but rather in a slight muting and sense of reserve from all three.

Tracklist : 

 1. Jam Blues   14:42

 2. What Is This Thing Called Love?   15:51

 3. Ballad Medley   17:23

 4. Funky Blues   13:27

Credits : 

Charlie Parker, Benny Carter, Johnny Hodges : Alto Sax

Ben Webster, Flip Phillips : Tenor Sax

Oscar Peterson : Piano

Charlie Shavers : Trumpet

Barney Kessel : Guitar

Ray Brown : Bass

J.C. Heardna : Drums

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Alice Coltrane - Journey in Satchidananda (1970)

"I hope that this album will be a form of meditation and a spiritual awakening for those who listen with their inner ear. Om Shanti"

                                                                                               Alice Coltrane

The CD reissue of Alice Coltrane landmark Journey Satchidananda reveals just how far the pianist and widow of John Coltrane come in the three years after his death. The compositions here are wildly open and droning figures built on whole tones and minor modes. And while it's true that one can definitely hear her late husband's influence on this music, she wouldn't have had it any other way. Pharoah Sanders’ playing on the title cut, "Shiva-Loka," and "Isis and Osiris" (which also features the Vishnu Wood on oud and Charlie Haden on bass) is gloriously restrained and melodic. Coltrane’s playing, too, is an element of tonal expansion as much as it is a modal and melodic device. With a tamboura player, Cecil McBee on bass, Rashied Ali on drums, and Majid Shabazz on bells and tambourine, tracks such as "Stopover Bombay" and the D minor modally drenched "Something About John Coltrane" become exercised in truly Eastern blues improvisation. Sanders plays soprano exclusively, and the interplay between it and Coltrane’s piano and harp is mesmerizing. With the drone factor supplied either by the tamboura or the oud, the elongation of line and extended duration of intervallic exploration is wondrous. The depths to which these blues are played reveal their roots in African antiquity more fully than any jazz or blues music on record, a tenet that exists today over 30 years after the fact. One last note, the "Isis and Osiris" track, which was recorded live at the Village Gate, features some of the most intense bass and drum interplay -- as it exists between Haden and Ali -- in the history of vanguard jazz. Truly, this is a remarkable album, and necessary for anyone interested in the development of modal and experimental jazz. It's also remarkably accessible.

                                                               By Thom Jurek (AMG)

Tracklist :
 1. Journey in Satchidananda   6:40
 2. Shiva-Loka   6:38
 3. Stopover Bombay   2:54
 4. Something About John Coltrane   9:45
 5. Isis & Osiris   11:30


Credits :
Alice Coltrane : Harp, Piano
Pharoah Sanders : Saxophone, Percussion
Rashied Ali : Drums
Cecil McBee : Bass (except #5)
Majid Shabazz : Bells, Tambourine (except on #5)
Tulsi - Tamboura
Vishnu Wood - Oud on #5
Charlie Haden : Bass on #5

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